Internet pone al servicio de los investigadores de cualquier disciplina una cantidad indecible de información, muchas veces de cuestionable vigencia pero otras tantas de gran valor. Ppor otra parte suministra recursos que proporcionan inmediatez ya que es posible difundir rápidamente nuevas ideas y resultados de investigaciones, obtener información sobre la localización de las fuentes y en algunos casos hasta se accede a copias en facsimil de las propias fuentes.
Entre los recursos que más se han desarrollado son las bases de datos. Aunque no siempre son accesibles en forma gratuita como es el caso del (RISM o RILM indispensables para musicólogos y el JSTOR para la comunidad científica en general)o simple hay muchos sistemas de consulta que admiten usuarios anónimos.
Algunos enlaces de este blog vinculan a algunas de estas bases de datos. Creí oportuno en este caso presentar un sitio que considero es de gran utilidad y cuya calidad es incuestionable.
Me refiero a la Dutch Song Database. En ella aparecen descripciones de cerca de 125000 canciones alemanas desde la edad media hasta el siglo XX. No sólo aparecen canciones en alemán sino en otras lenguas como latín, flamenco, francés y frisón. Los administradores de la base de datos confiesan que en lo referente a la música popular del siglo XX queda mucho trabajo por hacer.
Cada registro incluye la descripción de la fuente (título, númerod e secciones, clave, compás, afinación, número de catálogo, edición, número de páginas...) y en algunos casos es posible también acceder a facsímiles de los textos, registros sonoros y a transcripciones del texto.
Aparentemente hasta el momento no se tenía conocimiento de que Liszt hubiera compuesto ningún ciclo de canciones. Aunque muchas de sus piezas vocales han sido interpretadas en diversas ocasiones no se sabía de que existiera la idea del compositor de generar una colección.
El descubrimiento fue presentado como proyecto final de Megan McCarty, estudiante en Southwestern University.
El ciclo se basó en cuatro poemas de Victor Hugo: Comment, disaient-ils , O! Quand je dors , S'il est un charmant gazon y Enfant, si j'etais roi. Formado por seis canciones y publicado en 1844 nunca vovlvió a publicarse en forma de colección.
Para más información sobre este trabajo recomiendo la lectura del artículo (en inglés).
Muchos cinéfilos no dudarían demasiado en acudir al cine y comprar entradas para esta película esperando ver una nueva y gran obra maestra del eminente director. Sin embargo se sorprenderían al saber que la película llegó a su fin con la sala vacía en la noche siguiente de su estreno en Barcelona en una de las salas más concurridas de esta ciudad. Es posible que aquellos espectadores que lleguen al final sean invadidos por una profunda decepción.
Un despliegue de recursos, poesía visual, excelente fotografía (no podemos decir lo mismo del montaje, los cambios plano no siempre están logrados y descolocan al espectador) y una banda sonora de una calidad indiscutible. ¿Qué hay para cuestionar entonces?...
El guión se basa en una historia sentimental mal sustentada en elementos incoherentes y poco realistas. El hecho de elegir Argentina como el escenario donde se desarrolla gran parte de la historia parece justificar la presencia de un sinnúmero de tópicos innecesarios e incluso forzados, situaciones que no tienen ni pies ni cabeza y que confunden escondiéndose tras una metáfora que alude al vacío.
Filmada mayormente en blanco y negro y en color cuando el guión lo justificaba, es interrumpida por algunas licencias poéticas rayanas en el ridículo. La aparición del personaje interpretado por Carmen Maura (basta decir que el mismo personaje fue pensado originalmente para Javier Bardem) es absolutamente injustificada, absurda y denigrante. Para la actriz, lo que pudo ser un reto en su carrera se quedó en una ridiculización de su imagen. Lamentablemente no fue denigrante su actuación sino el papel que le tocó interpretar.
Para aquellos que no puedan evitar ver la versión doblada al castellano (doblaje para España) deberán saber que los personajes argentinos han sido ridículamente doblados por actores españoles que hablan con una cantinela más propia de un vendedor de mercado siciliano que de un ciudadano porteño. Particularmente pienso que no era necesario doblar a actores castellanoparlantes que hicieron su papel en español aunque con un acento y jerga diferente que a estas alturas ya no puede ser ajena a la capacidad de comprensión de cualquier español medio.
Como comparto en gran parte algunos aspectos de la crítica de Carlos Boyero aparecida en El pais el 26 de junio (adjunto el enlace más abajo) me he ahorrado algunos comentarios para no redundar en lo mismo.
Con todo no dejo de recomendar esta película por su valor como arte visual y por el trabajo de algunos de los catores (esencialmente el de Maribel Verdú).
Para más información acorde con la línea de esta crítica recomiendo una visita al siguiente sitio.
El brillante escritoro portugués nos interna una vez más en una nueva situación hipotética: cómo enfrentarse al hecho de toparse un buen día con tu propio doble.
El protagonista es un personaje impopular,un antihéroe que difícilmente se gane el afecto de la mayoría de los lectores pero que tendrá al menos su compasión en cuanto se convierta en víctima de sus propios errores. Tras encontrarse fortuitamente con un individuo idéntico a sí mismo toma una decisión que definirá los acontencimientos sucesivos.
No carente de ingredientes psicológicos, ficción e ironía nos invita a reflexionar sobre nuestro lugar en la existencia y de cómo nosotros mismos definimos ese espacio.
Aunque las actitudes del protagonista generen aversión y provoquen que el lector abandone la idea de continuar, vale la pena ser tolerante y sobrepasar la primera mitad en que los acontecimientos se aceleran estrepitosamente hacia el final.
Este trabajo, publicado por la editorial sevillana Castillejo en 1992, analiza el desarrollo histórico de la formación de los seises o niños cantores en la catedral de Sevilla.
Durante algunos años las familias carentes de recursos intentaban que sus niños fueran aceptados por la institución catedralicia que se encargaba de su manutención y adoctrinamiento. Los niños eran formados para desempeñar la función de cantores y "bailarines" en las celebraciones religiosas. Se incluyen detalles sobre las coreografías y repertorio de danzas como los ritos en los que se bailaban. Este estudio complementa el que efectuara Lynn Brooks de los seises en la edad de oro en Sevilla (1982) y el de Danzas en las procesiones españolas durante la época de oro (1988).
En la misma linea de Lambarena pero a mi juicio obteniendo un resultado menos cohesionado la Camerata Brazil llevó adelante su proyecto de fusionar diferentes géneros tradicionales de Brasil, jazz y repertorio bachiano.
La versión del allegro de concierto en Fa M BWV 971 que abre el disco es exactamente eso, una versión en estilo entre jazzístico y pop instrumentada con guitarras, sintetizador, piano y batería. El problema que encuentro en esta versión es que termina convirtiéndose en un muestrario de timbres que se van pasando el tema principal.
Aquçiabajopongo un enlace con una pequeña muestra del tema:
A diferencia de otras reutilizaciones que aparecen incluso dentro de este disco, este tema no reutiliza materiales de Bach sino que propone una nueva versión.
Bach tu Africa es un disco de los producidos por Lambarena que fue producto de un homenaje a Albert Schweitzer (1875-1965) quien fuera premio Nobel de la paz. Alber Sckweitzer fue teólogo, filósofo, médico y músico. El proyecto de Lambarena pretendió reunir los dos polos extremos de su universo sonoro logrando un resultado perfectamente cohesionado.
Los ritmos de Gabón, región en la que el doctor permaneció trabajando durante años y la música de Bach se cohesionan perfectamente. Así obras como la cantata 147, la Pasión según San Juan, la misa en si menor o una de las suites para cello son intercaladas dentro de un entramado rítmico y sonoro que le son absolutamente ajenos.
En este caso es la partita nº 3 para violín solo las que abre el tema de una canto antifonal que se construye a partir de losmismos sonidos. Esta misma partita la veremos versionada también por Bobby Mc Ferryn.
Busoni (Italia 1866 - Alemania 1924) fue un compositor y pianista que en su infanciahabía trascendido como niñoprodigio. Su relación con Bach esuvoligada, al igual que en el caso de Liszt, con su etapa formativa.
Realizó numerosas adaptaciones al piano de música organística de Bach. Sus arreglos de múaisca roganística implicaron la inclusión del pedal para procurar mantener la resonancia inherente al órgano. Muchas de sus obras se basaron o imitaron el estilo de obras de compositores anteriores. Además de Bach, Liszt ,Mozart y Bizet.
La fantasía sobre la última obra inacabada de Bach toma como soporte el tema final del "Arte de la fuga" para realizar una serie de variaciones para piano. Si bien se matienen la sonoridad particular de Bach (elección de determinadas interválicas, uso de la mano izquierda para la realización de una melodía de bajo a modo de bajo continuo y el diseño contrapuntístico) la densidad armónica y los matices dinámicos son propios de una estética noucentista tendiente a acentuar los claroscuros.
La siguiente es una versión remasterizada a cargo del pianista de origen holandés Egon Petri que fue discípulo de Busoni y que al igual que su maestro estuvo influenciado como compositor por Bach y Liszt.
Internet pone al servicio de los investigadores de cualquier disciplina una cantidad indecible de información, muchas veces de cuestionable vigencia pero otras tantas de gran valor. Ppor otra parte suministra recursos que proporcionan inmediatez ya que es posible difundir rápidamente nuevas ideas y resultados de investigaciones, obtener información sobre la localización de las fuentes y en algunos casos hasta se accede a copias en facsimil de las propias fuentes.
